Museum of Decorative Arts in Berlin

chairs


design

Wiggle Side Chair, Frank O. Gehry, carboard, 1972


chair


design

design3

designbutterfly

Butterfly, Sori Yanagi, rosewood veneer, 1954


designgreen

Chair Vegetal, Erwan and Ronan Bouroullec, Polyamid, 2008


chair

details

Cone chair, Verner Panton, steel, 1958


porcelain

Tea Set, Margarete Heymann- Loebenstein- Marks, stonewar, 1928-29


chairinterior

Eames Storage Unit, Charles and Ray Eames, 1949


design glass

glass2

,Savoy Vases, Alvar Aalto, Glass, 1937


furniture

Stack of drawers, Susi and Ueli Berger, Santos palisander wood, Duroplast, 1981


teaandcoffeepiazza

teaandcoffeepiazza

Tea anc Coffeepiazza, Aldo Rossi, 1980-82


design

wooddesign

Armchair, Gerald Summers, 1933

Natural History Museum in Berlin

 

architecture


museum


woman


quartz

Quartz

quartzdecorative

 

Mounted Galena and Quartz Formation

bookends

Quartz Point Bookends Handcrafted in USA

 

org_sm_quartz_teardrop_earr_l

5.61 Carat Briolette Smoky Quartz Diamond Gold Dangle Earrings

earrings

Jona Smoky Quartz Rose Gold Pendant Earrings

mineral


Mesolith

mesolith2
Mesolith, Apophylit, Stillbit

roselithmineral

Roselite

roselithring

Gold ring with roselite mineral


gold

Gold

goldbranceletcartier

Paris Three Tone Gold Link Brancelet, Cartier 1970s

gold

Japanese Four Seasons Panel Yellow Gold Bracelet

cartier_169008_1_l

Cartier Yellow White and Rose Gold Large Circle Clip-on earrings

peacock

Gilded Peacock Sculpture in Porcelain and Crystal

goldchanel

Chanel Ladies Yello Gold Bracelet Watch, 1993

cellinisaltcellar

Cellini Salt Cellar, part-enamelled gold table sculpture by Benvenuto Cellini, 1543

Female figure represents the land and male figure representing the sea. The all sculpture symbolizes the earth. The sculpture is insured for an estimated $60 million.


kids in museum


minerals


mineral

antymonit

Antymonit


museuminterior


baryt

Baryt


opal

Opal

 ring

Emma Chapman Yellow Gold Opal ring

earrings

Dalben Australian Opal Yellow Gold Dangle Earrings

detailsminerals

Decorative coffee table

Bode Museum Part I

 

sculpture

Time for my squareshoots from Bode Museum. The museum was designed by Erns von Ihne and completed in 1904. is one of the group of museums on the Museum Island in Berlin. Wilhelm von Bode was the first curator in this museum and for this reason building was renamed in his honour in 1956. Neo-baroque architecture and place on the Spree river is very impressive. Erns von Ihne was a German architect which, his best works are: Prussian Royal Library in Berlin, Kawalera palace in Poland, Bode Museum or Neuer Marstall in Berlin. Wilhelm von Bode who believed in mixing art collections, appointed diersified collection with sculptures from Byzantium and Ravenna, sculptures of the Middle Ages, the Italian Gothic, and the early Renaissance. Also works represented by Tilman Riemenschneider, the south German Renaissance, and Prussian Baroque. We can be integrate with into the collection like a concept William von Bode in which sculptures, crafts, paintings are viewed together as in upper in upper middle-class private collections. Below are my a few squareshoots from museum interior.

 

architecturre 2


architecture


figure


sculpture


sculpture

Andreas Schlüter, Putto with Drum, Mask and Garland of flowers, sandstone, 1711


sculpture2

Andreas Schlüter, Amphitrite, sandstone, 1711


beautybronze

Statue of the Goddess Ivherbu or of Princess Edeleyo, 16th,17th century, copper, Nigeria


art

Andrea della Robbia, Saint Dorothy, 1500


details


madonna


sculpture

marble

artist


architecturedetails


details


painting


sculpture

Head of an Oba, 16th century, bronze, Nigeria


relicinmuseum

crystal

Reliquary Bust of a Bishop, 1520, oak and polychromy, Belgium

The sculpture of a bishop still contains two saintly relics : a fragment of a skull in the head and piece of a rib in the chest under the crystal.


detailsivory

ivory

Memento mori, 1520, ivory, Paris


madamerecamier

Joseph Chinard, Madame Récamier, 1803, Paris


sculpture

museum

figure

Venus and Cupid, 16th century, marble

Jan Brueghel the Elder + My plant print

bnbn

picture

painting

details

details3

details2

Jan Brueghel Aksamitny,  Bukiet kwiatów z poczwarkami i motylami1612, olej na miedzi.

Powyższa kompozycja to obraz autorstwa jednego z członków znanej rodziny Brueghel, Jana (starszego). Brueghel zwany często aksamitnym był zasadniczo jednym z czterech najważniejszych osobistości artystycznych tej rodziny. Urodzony w Brukseli w roku 1568 pozostawił po sobie wiele dzieł malarskich w których wykazuje on ponadprzeciętny talent w malowaniu kwiatów. Ojcem artysty był mistrzowski malarz Niderlandów Pieter Bruegel, który znany jest nam z wielu arcydzieł takich jak: Wieża Babel, Pejzaż z upadkiem Ikara czy wiele kompozycji obrazujących przysłowia niderlandzkie jak Dwie Małpy z 1562 roku, które nawiązują treścią do powiedzenia: sądzić się o orzech laskowy – czyli krótko mówiąc oznaczało to bezsensowny spór o mało istotną sprawę. Te jak i inne cenne kompozycje ojca Jana Aksamitnego rozsiane są głównie po galeriach miast takich jak Berlin czy Wiedeń. PieterBruegelpaintingDziś jednak pragnę przyjrzeć się bliżej twórczości Jana Brueghel’a Aksamitnego a dokładniej jednej z jego kompozycji kwiatowych zatytułowanych Bukiet kwiatów z poczwarkami i motylami, który znajduje się w Accademia Carrara – muzeum sztuki mieszczącym się w mieście Bergamo we Włoszech. Warto zacząć od przydomka Aksamitny jakim został obdarowany ten artysta. Określenie to związane jest ściśle z delikatnością faktury malarskiej, która wyróżnia jego prace oraz harmonią jak i subtelną tonacją kolorystyczną. Jan Brueghel Aksamitny malował w stylu manieryzmu i baroku tworząc przy tym popularny gatunek malarski w sztuce flamandzkiej – XVII wieczne kwiaty i pejzaże. Miał on okazję uczyć się fachu od swej babki Mayken Verhulst (Marie Bessemers) – znanej wówczas miniaturzystki. Artysta ten był nadwornym malarzem arcyksięcia Alberta w Brukseli a także przyjacielem i współpracownikiem Petera Paula Rubensa. W pracowni mistrza flamandzkiego specjalizował się w malowaniu kwiatów, zwierząt i pejzaży… Dzięki temu okresowi zawdzięczamy tym artystom obrazy takie jak: Adam i Ewa w ogrodzie rajskim czy Raj i grzech pierworodny. Z czasem działalność malarską Jana Brueghela kontynuowali jego synowie, Jan III oraz Ambrosius i jego liczni potomkowie. Jan Brughel starszy często jako podobrazia używał miedzianej blachy co powodowało trwałość podłoża oraz brak możliwości negatywnych czynników zewnętrznych działających na obraz. Co ważne, artysta ten był autorem nowego typu przedstawienia: Madonny otoczonej wieńcem kwiatów. Wielu możnych oraz wykształconych odbiorców, twierdziło iż kwiaty w jego dziełach poprzez swą rozmaitość i piękno form pozwalają dostrzec nam wspaniałość stwórcy. Artysta zatem na powyżej kompozycji kwiatowej ukazuje nam wysublimowane bogactwo natury. Kwiaty zanim zostały wyodrębnione w XVII wieku w samodzielne obrazy, pojawiały się w wielu dziełach o tematyce historycznej, mitologicznej czy religijnej. Wówczas przemijające piękno kwiatów oferowało pretekst do snucia refleksji nad naturą człowieka, naturą fizyczną czy boską naturą. Martwa natura staje się tu zatem nośnikiem wielu znaczeń symbolicznych. Kwiaty przedstawione na obrazie to w większości, jak sądzę piwonie będące symbolem dostatku i szczęścia oraz tulipany silnie wiążące się z treściami wanitatywnymi. Tulipan jako vanitas bogactw ziemskich i człowieka. Część z nich przedstawiona jest przez malarza w fazie pełnego rozkwitu, zaś niektóre piwonie są jeszcze jako nierozwinięte pączki. Zastosowany kontrast przez artystę sugeruje Nam zwrócenie uwagi na przemijalność egzystencji, ścięte kwiaty ukazujące bujne bogactwo natury, wydarte z naturalnego otoczenia – uschną, tym samym ofiarując miejsce nierozwiniętym jeszcze pączkom… Ponadto malarz w dolnej części kompozycji przedstawił w sposób bardzo szczegółowy motyle oraz poczwarki. Tym samym ponownie kładząc nacisk na przemijalność. Poczwarka jako stadium rozwojowe owadów informuje nas o ciągłym rozwoju i przeistaczaniu. Jan Aksamitny przedstawia nam niezwykłe bogactwo symboli, zwracając przy tym uwagę na każdy detal kompozycji. Również dekoracyjny wazon może stanowić tu symbol bogactwa, które jednak jest niczym w zestawieniu z przemijalnością życia. Tło kompozycji jest jednolite aby uwagę odbiorcy mogła skupić wyłącznie martwa natura.

Poniżej kilka moich squareshoot’ów wraz z roślinnym wzorem jako inspiracja modowa 🙂

meandlandscape


blouse


meandplants


plantprint


plantprint2


totallook


detailsprint

The cashmere hour

words-1-300x237

details


cashmerefashion


image-6


cashmerewoman


cashmerefashion


Kaszmir swą nazwę zawdzięcza terenom północnych Indii, z których był pozyskiwany. Do Europy trafił  między innymi za sprawą Napoleona, który przywoził go z licznych zwycięstw. Mówi się, że to właśnie dzięki pierwszej żonie Napoleona – Józefinie, zapanowała kaszmirowa moda. Aby móc trafić w ręce projektantów czy różnych marek odzieżowych, musi przejść przez długotrwały proces pozyskiwania.cashmereinmuseum A wszystko za sprawą kozy kaszmirowej. Musi ona przebywać ok pół roku w temperaturze dochodzącej do nawet -40°C, aby wytworzyć swoją puchową ochronę przed zimnem. Przykładowo do wyprodukowania jednego sweterka potrzebne jest aż 300 gram surowca, w przełożeniu mamy do czynienia z wełną pochodzącą od 2 do 5 kóz. Stąd też tak wysokie ceny kaszmirowych przyjemności. Ze względu na luźno połączone włókna wełny, kaszmir idealnie chroni zarówno przed zimnem jak i gorącem. Swetry wykonane w 100% z kaszmiru są o wiele cieplejsze niż te wykonane z wełny owczej. Co więcej jest on niespotykanie delikatny, nawet tkany bardzo gęsto waży zaledwie tyle co piórko :). Wiele marek odzieżowych dodaje kaszmir do innych tkanin aby bardziej je uszlachetnić.                                

Szal kaszmirowy, 1800, The Victoria and Albert Museum       

Często możemy napotkać w sklepach wełniane swetry z domieszką kaszmiru ( ok 20% ).  Jednak warto wspomnieć o tym, że kaszmir  jest niestety dosyć niesforny, często zatem w trakcie noszenia potrafi się nam zmechacić. Dlatego też niezbędna jest jego odpowiednia pielęgnacja. Naturalnie w przemyśle odzieżowym, występuje on w trzech kolorach: białym, brązowym oraz szarym. Sądze, że kaszmir to tkanina ponadczasowa a zakup między innymi kaszmirowego swetra to dobra inwestycja na lata 🙂

 

painting

William Daniell, Kashmir Goats, oil on canvas, 1790-1810, Yale Center for British Art

 

The few shoots from National Museum in Poznań

words-1-300x237

Galeria Sztuki Polskiej od końca XVIII wieku do 1945

 

Efektowna rzeźba autorstwa Franciszka Blacka artysty urodzonego w Warszawie w 1881 roku, czynnie działającego w Paryżu oraz Szwajcarii. Black w swej twórczości skupiał się między innymi na wykonywaniu portretów w wielu gatunkach rzeźbiarskich, wiele z nich odnaleźć możemy w formach nagrobnych paryskich cmentarzy czy Muzeum Saint-Maur-des-Fossés oraz w Bibliotece Polskiej w Paryżu. Dzięki woli artysty do  zbiorów Muzeum Narodowego w Poznaniu trafiły  24 rzeźby jego autorstwa. Jedną z nich jest portret hrabiny Boisouvray wykonany z białego marmuru, podkreślający dziewczęcą delikatność modelki. Black zachowując idealne proporcje oraz zróżnicowania fakturowe, przestawia nam marmur jako idealny materiał rzeźbiarski. Jest ona świetnym przykładem harmonijnego portretu dziewczęcego. Rzeźba znajduje się w Galerii Sztuki Polskiej od końca XVIII wieku do 1945.

 

sculpture

sculpture2

Franciszek Black, Portrait of Count Boisrouvray, marble, 1917.


painting

detail

details2

Wacław Borowski, Womens, oil on canvas, 1939.

Kobiety widziane oczami Wacława Borowskiego, artysty urodzonego w Łodzi, trudniącego się w malarstwie, grafice, litografii oraz scenografii. Znany jako współzałożyciel i członek warszawskiej grupy Rytm w latach 1922-1932, propagującej idee różnych odmian nowego klasycyzmy oraz sztuki narodowej. Borowski to zatem idealny przykład artysty, wpisującego się w estetykę nowego klasycyzmu lat 20,30. W jego twórczości malarskiej zauważyć możemy wpływy paryskie, szczególnie inspirował się pracami Matisse’a czy André Deraina. Czynny udział w Stowarzyszeniu Artystów Polskich „Rytm” zaowocował przyjaźnią ze znanym wówczas malarzem i rysownikiem Eugeniuszem Żakiem. Borowski wraz z przyjacielem stylizował się głównie na włoskich mistrzach okresu Quattrocenta, tym samym dając początek nowemu stylowi. Para przyjaciół stworzyła własny, unikatowy styl w którym arkadyjski wyraz i liryczny nastrój, są jego ważnymi elementami . Borowski doskonale radził sobie z zasadami komponowania obrazu, na co wpływ miało w dużej mierze poznawanie tajników sztuki renesansu dzięki licznym podróżom do Włoch. Idealnym tego przykładem jest powyższa kompozycja z dwiema kobietami w centralnej części. Większość prac artysty, przepełniona jest magią teatralnych ujęć co doskonale widać na powyższym płótnie ♡

Co ciekawe, artysta projektował również banknoty dla Polskiej Wytwórni Papierów Wartościowych 🙂

banknot_20zl_1940


PruszkowskiArt

detailPruszkowski

Tadeusz Pruszkowski, Self-portrait, oil on canvas, 1926.

Kolejny przykład artysty związanego z ugrupowaniem Rytm. Malarz, krytyk i pedagog, głównie związany twórczo z Warszawą i Kazimierzem Dolnym. W 1922 roku otrzymał miano profesora w Szkole Sztuk Pięknych w Warszawie. Pracownia malarza w akademii skupiała wielu studentów, których działania doprowadziły do powstania czterech ugrupowań artystycznych. Były to: Bractwo św. Łukasza, Szkoła Warszawska, Loża Wolnomalarska i Grupa Malarska, które propagowały założenia malarza. Na początku drogi artystycznej, Pruszkowski podejmowałam tematykę historyczną by następnie poświęcić się malarstwu portretowemu. Na płótnach malarza widnieje wiele osobistości pochodzących wówczas z  różnych elit intelektualnych. Rzadziej malował on pejzaże czy martwe natury. W 1914 roku odbyła się jego pierwsza indywidualna wystawa w Towarzystwie Zachęty Sztuk Pięknych. Artysta w swej twórczości opierał się na dobrym rysunku, uwypuklając tym samym plastyczność form. Z biegiem czasu kolorystyka portretów ręki T. Pruszkowskiego ulegała zmianie. Prezentowany autotoportret artysty z Muzeum Narodowego w Poznaniu prezentuje nam zwartą formę, w której to utożsamianie z rolą clowna pokazuje nie tylko dystans artysty do samego siebie, ale co istotne aspekt psychologiczny widoczny w wielu innych portretach. Autoportret jako clown to swoista gra z odbiorcą…

*

PAN Archiwum Warszawa.


paintings

detail5

Władysław Lam, Still Life, oil on canvas, 1923.

Władysław Lam to malarz, grafik jak i krytyk sztuki, kształcący się pod skrzydłami samego Teodora Axentowicza i Józefa Mehoffera. Urodzony w 1983 roku w Harcegowinie, związany był z Wydziałem Architektury Politechniki Lwowskiej, a tuż po wojnie z Katedrą rysunku, malarstwa i rzeźby – Politechniki Gdańskiej. W swej twórczości podejmował się kompozycjom figuralnym, pejzażom czy portretom. Martwa natura z 1923 ukazuje nam chromatyczną kompozycję, w której to zauważyć możemy związek z formizmem. Artysta bowiem upraszcza formy, dążąc tym samym do geometryzacji, a wszystko to potęguje płaska plama barwna.  Martwa natura dzięki licznych kontrastom jest dla nas przejrzysta i czytelna.


composition

Maria Nicz-Borowiakowa, Musical Theme, collage, 1925.

composition2

Maria Nicz-Borowiakowa, Nude, oil on canvas, 1924.

Jako jedna najpopularniejszych przedstawicielek polskiego konstruktywizmu, w swej twórczości odwoływała się do awangardowej estetyki. Postawa twórcza artystki wiązała się ze znajomościami jakie nabyła w okresie studiów, głównie plenerów w Bukowinie i Niedzicy gdzie obcowała między innymi z Mieczysławem Szczuką, Henrykiem Stażewskim czy Teresą Żarnower. Brała ona czynny udział w ugrupowaniu Blok i Praesens. Co istotne, Borowiakowa często odnosiła się do kubizmu, którym zaraziła się podczas podróży do Paryża 1922 roku. Artystka tworzyła wiele kompozycji jak akty czy martwe natury, dbając przy tym o ład kompozycji oraz wykorzystując tym samym wiele geometrycznych form. Pod koniec 1924 roku, zaczęła tworzyć swe pierwsze kompozycje abstrakcyjne, na których dokładnie określała porządek rozmieszczania barw. Z czasem Maria Nicz-Borowiakowa zaczęła stosować technikę kolażu. Jak w przypadku powyższej kompozycji z 1925 roku gdzie fragmenty listew oraz drewniane półkule o różnej wielkości nakleiła na pomalowaną wcześniej płaską powierzchnię. Będąc w Galerii Sztuki Polskiej od XVIII w. do 1945 warto chodź na chwilę zatrzymać się przed pracami jej autorstwa, które stanowią dla nas świetny przykład ładu i porządku kompozycji.


SZKŁO, METAL, DETAL /GLASS, METAL, DETAIL

words

21.10. 2016 – 12.02.2017

TITLEOFEXHIBITION


DOOR

Detal drzwi z sieni, lata 30. XX w.


MODERNISMEXHIBITION

Drzwi z sieni, lata 30. XX w., Ul. Młyńska 23, Gdynia


TILES

Fragment płytek ceramicznych tzw. gorsecików


TILES3


image73


tilespieces

Płytki posadzkowe o wymiarach 2×2, tzw. iryski łazienkowe


differenttiles


details

Rodzaje tynków, od góry:

◼ Tynk elewacyjny z portalu, lata 50. XX w., ul. Żwirki i Wigury 2, Gdynia.

◼ Tynk dekoracyjny tzw. zmywany, z elewacji frontowej, lata 30. XX w., Ul. Świętojańska 105, Gdynia.

◼ Tynk elewacyjny,  lata 50./60 XX w., Kościół Najświętszego Serca Pana Jezusa, Ul. Armii Krajowej 46, Gdynia.


LAMP2


lamp

Lampa elektryczna na biurko, lata 30. XX w., Ul. Świętojańska 11, Gdynia.


door

Detal drzwi wejściowych, lata 30. XX w., Kamienica Agnieszki i Ludwika Grzenkowiczów, Gdynia.


TILES3

Płytki podłogowe, Zakłady Ceramiczne ,,Dziewulski i Lange, lata 20. XX w.


image36

Iglica ze zwieńczenia willi ,,Elle mieszcząca się niegdyś przy ul. 10 lutego 17 w Gdyni.


LAMP4      LAMP5

Przykład żyrandolu z brakującymi okrągłymi kloszami.


FLOOR

Fragment lastryka z klatki schodowej nr IV, lata 30. XX w., Ul. 3 Maja 27/31 i Batorego 26, Gdynia.


MODERNISMROBOTS

DETAILROBOT

Gazowy piecyk kąpielowy ,,MARS


detailsbathroom

Elementy łazienkowe.


tilesbathroom


handleofmetal

Klamka, lata 30. XX w., Kamienica Juliana Maciejewskiego


tap

Kranik z łazienki, lata 30. XX w., ul. Śląska 64.


viewfinder

Wizjer z drzwi wejściowych ,,CYKLOP, lata 30. XX w., dom czynszowy Bronisława i Antoniego Konopków.


whitewod

detailwood

Nadświetle – okno umieszczone bezpośrednio pod drzwiami, lata 20. XX w., Kamienica Jakuba Scheibego.


singboard

Szyld reklamowy, W. Mielnik, Konc. Kursy Samochodowe i Motocyklowe, lata 30. XX w., Kamienica Juliana Maciejewskiego


metal

Wzywacz służby, lata 30. XX w., Dom Mieszkalny Funduszu Emerytalnego Pracowników Banku Gospodarstwa Krajowego.

*

,,Szkło, metal, detal. Architektura Gdyni w szczegółach. to wystawa na której zaprezentowano około 150 obiektów, pochodzących zarówno z Muzeum Miasta Gdyni, Biura Miejskiego Konserwatora Zabytków, zbiorów prywatnych, ale i również z  Mini Muzeum „Bankowiec”.( https://www.facebook.com/minimuzeum.bankowiec/?fref=ts ) Będąc w Gdyni zdecydowanie warto odwiedzić to miejsce! Mieści się ono w jednej z modernistycznych kamienic, pełniąc tym samym rolę społecznego muzeum, w którym znajdziemy eksponaty wyposażenia wnętrz pochodzące z budynku. Niewątpliwie z inicjatywy wcześniejszych jak i obecnych mieszkańców modernistycznej perły architektury, możemy zobaczyć to co udało się zachować z jej pomieszczeń. Wystawa ta, to idealna okazja na pogłębienie swojej wiedzy o gdyńskiej architekturze. Sposób prezentacji zbiorów niniejszej wystawy pozwala nie tylko pogłębić świadomość mieszkańców, ale również zachęcić innych do uważniejszego patrzenia na otaczającą nas miejską przestrzeń. Muzeum Miasta Gdyni oferuje nam wędrówkę wokół przeróżnych detali stosowanych w modernistycznej architekturze. Odnajdziemy tam wiele elementów wyposażenia wnętrz jak i architektury. Od różnorodnych płytek ceramicznych,  otworów okiennych czy klamek po iglicę budynku oraz tralki. Dzięki przejrzystej ekspozycji możemy zobaczyć w jakich wówczas budynkach znajdowały się dane elementy. Kompilacja tak wielu różnorodnych przedmiotów ukazuje nam sztukę użytkową w zupełnie odmiennym świetle. Ekspozycja nakłania nas do tego aby mieć odwagę patrzeć uważniej. W ramach wystawy organizowane są liczne wydarzenia, na które z pewnością warto zawitać. Są to między innymi oprowadzania kuratorskie czy warsztaty rysownicze. Wystawę można zobaczyć do 12 lutego.

,,Glass, metal, detail. Details architecture in Gdynia. This exhibition presenting about one houndred and fifty objects. We can see many different design and architecture elements from modernist buildings. This is collection from City Museum of Gdynia, Office of the Municipal Conservation, private collections or Mini Museum ”Bankowiec”.( https://www.facebook.com/minimuzeum.bankowiec/?fref=ts ) If You will be in Gdynia, You should visit this place! This interesting place is in modernist tenement house. This place is social museum which has many unique elements from modernist flats. All tenants of this modernist tenement care about this collections. On the exhibition in City Museum of Gdynia, We can see ceramics tiles, windows or handles. This compilation of ellements influence for our perception every day. The exposotion answers the question: What should I look for applied art? The exhibition You can see to 12 February 2017.


Muzeum Miasta Gdyni

 

design


  modern


  interiordesign

Hanna and Leszek Nowosielscy

Hanna and Leszek Nowosielscy lived in Podkowa Lesna (Poland). He was a polish artist who worked in conjunction with his wife – Helena Nowosielska. They began to work on porcelain using „on-glaze painting” to create many different vases and other ceramics. The artists created graphics, paintings, ceramics with historical and architectural motives. The subjects matters ranged from allegories, abstract compositions or motives showing destructions like Auschwitz, Hiroshima. Their works are in many museums, private collections in Poland and overseas. Their works are in collections: National Museum in Warsaw, National Museum in Wroclaw, National Museum in Gdansk, Mazovian Museum and National Archeological Museum in Warsaw.


artwork1


workplace


figure2


relief

detailrelief


figure


img_2084


ceramics2


black-ceramics


ceramics


relief


leszek-w-pracowni

Private archives

hanna-i-leszek

Private archives

3-oni-z-fig-mam

Private archives

ŁDF ŁÓDŹ DESIGN FESTIVAL – PART I

Limited Art at Rosenthal

100th birthday of Philip Rosenthal, Łódź Design Festival 13-23/10/2016

wallplate2

Roy Lichtenstein


wallplate4

Marcello Morandini


wallplate3

Christian Attersee


tales

Jorg Immendorf


wallplate

Sandro Chia


talerosenthal

Daniel Groen


wallplate5

Elvira Bach


The Wilanow Palace Museum

column

 

sculpture

Beautiful Victoria

stairs

 

me

 

madonna

 

alabaster

 

womanandgarden

 

clock

 

detailspainting

Details, XVII century.

 

woodinterior

 

woman

 

ceiling

 

stairsperspective

 

lucascranach2

Lucas Cranach the Elder, Lucretia, oil and tempera on panel, 1538.

 

lampjapan

 

meandrangery

Orangery

 

books